JUEGO DE ESPIAS

No existe ningún director actual sobre el que recaigan tantos juicios de valor acerca de la irregularidad de su carrera como Ridley Scott. Y aunque este argumento se está convirtiendo en un recurso demasiado facilón, desde luego no carece de razón. El director inglés deslumbró en los inicios de su filmografía con títulos tan influyentes y determinantes para la historia del cine como “Blade Runner” o “Alien, el octavo pasajero”. Quizás por eso, llame más la atención la alarmante insuficiencia de cintas como “Los Impostores”, “Tormenta Blanca” o “Un buen año”.

Solo admitiendo que Scott nunca llegará a ser aquel gran director que podría haber sido ni tampoco el peor autor que puede ofrecernos Hollywood, podrá valorarse en su justa medida su último cine, y más en concreto su más reciente película, “Red de Mentiras”.

Con el cada vez más recurrente (cinematográficamente hablando) conflicto entre EEUU y Oriente Medio, “Red de mentiras” sitúa al agente Ferris (Leonardo Di Caprio) en la boca del lobo y al veterano Ed Hoffman (Russell Crowe) como el que mueve los hilos a distancia en la lucha contra la amenaza terrorista árabe. Y en el constante juego de estrategias, lealtades y traiciones se desarrolla este thriller político con gusto por la acción bien rodada y por el escaparate de herramientas de espionaje a cada cual más sofisticada.

“Red de Mentiras” como “American Gangster”, “Black Hawk Derribado” o incluso la secuela de “El Silencio de los Corderos”, “Hannibal” es cine solvente, bien ejecutado, con una constante apariencia de cine de calidad pero sin la profundidad y carácter necesarios para serlo. Scott ofrece aquí una obra vibrante por momentos, reiterativa en otros, aunque casi siempre entretenida, muy en la línea del cine que realiza su propio hermano, Tony (“Spy Game”). La confianza en las interpretaciones de sus actores vuelve a ser un pilar básico en el que Scott se apoya. Un Russel Crowe entrado en kilos (en su cuarta colaboración con el director) y un Leonardo Di Caprio en una línea continuista con respecto a “Diamante de Sangre” o el gran descubrimiento de la película, el actor Mark Strong, garantizan una dosis extra de interés.

No demuestra tanta solvencia su guionista, William Monahan (“Infiltrados”) al que se le agradece que intente no enmarañar el argumento de un género en que, como mandan los cánones, se manejan muchos nombres y complicadas tácticas, pero al que se le puede achacar la introducción de una subtrama romántica totalmente innecesaria, algunos personajes demasiado estereotipados y la resolución por la vía fácil de determinadas situaciones (sin ir más lejos, el propio final de la cinta).

Con “Red de Mentiras”, Ridley Scott opta por la vía sencilla de cine de entretenimiento de pretensiones medias, posiblemente el único modo de librarse a corto plazo de las odiosas comparaciones que marcan su desigual filmografía.

LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE BOND...

¿Quién le iba a decir a Daniel Craig cuando solo era un secundario de no mucho peso en "Camino a la perdición" o "Elizabeth", que iba a ser portada de tantas revistas?

SEVILLA PUNTUALIZA

Durante esta semana me he dejado caer unos días por la ciudad de Sevilla, la cual andaba celebrando una nueva edición de su Festival de Cine Europeo.

Con motivo del festival, la larga Avenida de la Constitución sevillana se llenó de fotos que mostraban la relación entre la capital andaluza y el séptimo arte. Carmen Sevilla, Charlton Heston, Natalie Portman, Viggo Mortensen o George Lucas aparecian en algunas de ellas.

Imagenes que por su ubicación a pie de calle eran pura carne de expresión artística callejera(todos sabemos el poder de un rotulador para pintar un diente negro o un ojo morado).

Pero Sevilla es diferente. Tan solo dos de estas fotos tenían una marca y no precisamente caprichosa. Ambas tenían algo que decir. Veamoslas:

Esta foto muestra una instante del rodaje en el Álcazar de "El Reino de los Cielos" de Ridley Scott. Si probais a escribir el nombre del director de Gladiator en un documento Word, vereis como el corrector no reconocerá su apellido y lo cambiará por la palabra Scout. Eso es lo que le debió pasar al que redactó el pie de foto. Pero Sevilla puntualizó...

En la imagen que encabeza el post veamos a una rubia señora con bigotillo. No es otra que Leni Riefenstahl, la directora del Reich, admirada por Hitler y realizadora de títulos propagandísticos tan famosos como "El triunfo de la voluntad". Leni fue una talentosa creadora pero a Sevilla tampoco se le olvida cuales fueron sus ideales. Y con el poder de un Edding lo manifiestan.

HERIDAS DE 15 AÑOS

Películas como “El leñador” con Kevin Bacon o la española “Horas de Luz” con Alberto San Juan, han hablado de la reinserción del exconvicto en la sociedad pero ninguna lo ha hecho con una sinceridad tan absoluta como “Hace mucho que te quiero” cinta francesa que supone el debut en la dirección de Philipe Claudel, novelista antes que realizador de cine, que ha apostado por esta historia propia para estrenarse en la dirección.

Llena de gestos y miradas cargadas de doloroso pasado, de cicatrices sin curar y conversaciones sin tratar, “Hace mucho que te quiero” es principalmente una película sobre la familia, las relaciones humanas y los estados de ánimo. De seres solitarios que se confiesan entre sí para comprender el sentido de unas vidas marcadas por trágicos hechos.

“Hace mucho que te quiero” cuenta la historia de Juliette Fontaine (Kristin Scott Thomas) que tras quince años en la cárcel vuelve a casa de su hermana e intenta rehacer su vida. No será fácil, debido a su fuerte carácter y a la imagen que la gente de su círculo tiene sobre ella tras este periodo entre rejas.
Muchos ojos la examinarán desde distintas perspectivas: de los más pequeños e inocentes (las niñas vietnamitas) hasta los veteranos (el abuelo mudo). Todos con la misma pregunta ¿Quién es Juliette? y sobre todo ¿Qué le pasó para ser encarcelada?.

Es la portentosa interpretación de Kristin Scott Thomas el pilar básico de esta película. El personaje de Juliette, ya de por si complejo y rico, gana enteros por la insuperable labor de la actriz de “El Paciente Inglés” que desde hace años alterna su carrera entre Francia, Inglaterra y Estados Unidos. Un papel que crece conforme avanza el metraje de la película, que evoluciona física, comunicativa y sentimentalmente y que además mantiene una intriga en forma de secreto inconfesable. Una actuación contenida y poderosa que merecería una nominación al Oscar.

Como buena película francesa “Hace mucho que te quiero” destaca por tomarse su tiempo en la narración de la historia, por la austeridad formal y por el apoyo continuo en los actores de su reparto. Un drama con un ligero suspense que además analiza los prejuicios y trabas de la sociedad (laborales, afectivos, etc) de aquel que ha salido de prisión. Una película serena y sobria, muy recomendable para amantes del cine de autor.

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BIRD + EL PADRINO =

Suma de posters. Si me apuran hasta tiene su propia rima.
"Bird" + "El Padrino" = "Gran Torino".

UN VIAJE POCO ESTIMULANTE

Bajo la tutela de la compañía catalana Filmax, el director Brad Anderson ha ido labrando una carrera medianamente notoria en nuestro país como director de terror, suspense y/o thriller, con gran capacidad para elaborar atmósferas.
Una capacidad que, a día de hoy, Anderson no ha conseguido equiparar al interés de sus tramas, las cuales parten de premisas interesantes pero que se ven incapaces de despegar.

Así ocurría con “Session 9”, la primera película con la que se adentró en el género, o con “El Maquinista”, famosa por la desaforada cantidad de kilos que perdió Christian Bale para meterse en la piel de su protagonista, donde el director demostró un enorme talento para manejar ambientes turbios, malsanos y sórdidos. Pero poco más. A Anderson le falta imprimir carácter a sus obras y una cierta tensión a sus, a priori, bienintencionadas propuestas.

Tal es el caso que ahora nos ocupa, “Transsiberian”, hábilmente promocionada aprovechando el nombre del maestro inglés Alfred Hitchcock . Nada más lejos de la realidad. “Transsiberian” y “Alarma en el expreso” se parecen en que en ambas hay trenes y se diferencian en el suspense. Lo mismo ocurriría entre “Asesinato en el Orient Express” o “El tren del infierno” (esta última dentro del género de acción, pero llena de vibrantes secuencias) y la cinta que nos ocupa. La tan fructífera unión tren-pasajeros-intriga brilla aquí por su ausencia por la incapacidad de Anderson de conjuntar estos elementos o, simplemente, por la falta de originalidad de un guión que hace aguas constantemente, que sufre de constantes altibajos, e inserta giros arguméntales totalmente manidos.

“Transsiberian” nos cuenta el viaje de una pareja de norteamericanos (Emily Mortimer y Woody Harrelson) a bordo del mítico tren que conecta Rusia con provincias del lejano Oriente ruso, Mongolia y China. Junto a ellos ronda un policía antinarcóticos (Ben Kingsley) y una pareja de mochileros con cargamento secreto (Eduardo Noriega y Kate Mara).

Con un punto de inflexión que divide la cinta en dos partes claramente diferencias, “Transsiberian” no tiene mucho que aportar al género, siendo un producto previsible y aburrido a ojos del espectador, donde ni siquiera su interesante reparto parece inspirado. Ben Kingsley aporta un histrionismo que contrasta con el “querer y no poder” de Eduardo Noriega o con la ingenuidad supina de un bobalicón Woody Harrelson. Solo la que es protagonista de la película, Emily Mortimer, sobresale en estos nevados paisajes de la estepa rusa.

En definitiva, un desangelado producto, tan frío como el recorrido que realiza el famoso ferrocarril transiberiano.

GRAN TORINO, GRANDE EASTWOOD

1. "Gran Torino" confirma que a Eastwood le va rodar proyectos secretos en tiempo record y que además, se estrenan en tiempo record.

2. "Gran Torino", según palabras de Eastwood, será la última película en la que aparezca delante de las cámaras. Recordemos que no tiene el Oscar a Mejor Actor...

3. "Gran Torino" es la enésima muestra de que Eastwood es el gran DIRECTOR de cine que existe en la actualidad

4. "Gran Torino" va a desbancar a la otra película de Eastwood de la temporada, "El Intercambio" en la carrera hacía el Oscar.

5. "Gran Torino" huele a "Mystic River" y a "Million Dollar Baby".

6. "Gran Torino" no es una nueva entrega de "Harry el sucio" como se había rumoreado, pero tiene a un Eastwood como implacable y sobrio protagonista, que viene a ser lo mismo.

7. "Gran Torino" es, una vez visto su trailer, la película más apetecible de los próximos meses.

BRAD BRAD BRAD!

Mirada al cielo con aires de poder y superioridad, reflejo no intencionado del momento en que se encuentra Brad Pitt, que viene siendo noticia de unos días a esta parte y que actualmente ofrece una de sus mejores interpretaciones en pantalla en "Quemar después de leer".

La foto corresponde al inicio del rodaje de "Inglorious Bastards" (también conocida como "Inglorious Basterds"), de Quentin Tarantino, donde Pitt interpretará a Aldo Raine, el teniente de los citados Basterds, unos tipos, norteamericanos para más señas, que se dedican a cazar nazis. Tarantino ha dicho: "no es el típico héroe de la Warner en las películas de los años cincuenta sobre la Segunda Guerra Mundial, sino un montañés directamente sacado de lo más remoto de Tennessee".

La unión de Quentin y Brad promete. Y mucho. Y una simple foto sobre fondo blanco ya provoca ganas de que la película llegue a los cines.

Pero no ha sido esta la única foto de Pitt que ha salido a relucir en las últimas fechas. "The Tree of life" es la colaboración, no menos interesante, del actor con otro director de los de garantías, Terrence Malick. Aquí, Brad se va a los 50, luce pintas de soldado de la época y se obsesiona junto a sus hermanos en la busqueda del árbol de la vida. Esta imagen apareció hace cosa de un mes, pero esta vez viene acompañada de información gracias a awardsdaily, donde se define a esta apetecible película como "una épica cósmica, un himno a la vida". Para colmo, también aparece Sean Penn.

Entre tanto, Brad Pitt, también tiene tiempo para mostrar sus dotes como fotógrafo. Y claro, te tienes que llamar Brad Pitt para hacerle una foto a tu mujer dando de mamar a tus hijos y que te la publiquen como portada de una importante revista. Esto es lo que ha pasado en la última edición de la publicación "W", donde Brad toma fotos cotidianas e íntimas a Angelina, como estas:

Por último y para comprobar otra vez que Pitt elige estupendamente sus proyectos, aquí teneis el trailer (parece que definitivo) de "The Curious case of Benjamin Button" de David Fincher, que tiene una pinta increible y donde el marido de Angelina rejuvenece y envejece en una historia de amor con hechuras de clásico.

LA INTELIGENCIA ES RELATIVA

De entre todos los especimenes humanos, los Coen prefieren a los tontos. Llamemosle tontos, ineptos, bobos o memos. El caso es que los Coen son capaces de demostrar que situando a unos personajes de tal condición en una película de aspecto y tratamiento serio, esta se puede convertir en la comedia más delirante, disparatada y divertida.
Semejante caso se da en “Quemar después de leer”, el cambio de registro de los directores de “Fargo” tras la oscarizada “No es país para viejos”. Un cambio que viene siendo habitual en la carrera de los Coen que han alternado desde sus comienzos el thriller con el humor.

“Quemar después de leer” es una película de espías donde, en realidad, no hay nada que espiar y donde las situaciones llegan a límites insospechados por cuestiones de estupidez extrema de unos seres preocupados por cosas que, tal y como está el mundo, se antojan insignificantes.

Así, John Malkovich es despedido de su trabajo en la CIA, su mujer, Tilda Swinton, le pone los cuernos y quiere el divorcio, George Clooney es un adicto al sexo, Brad Pitt es un profesor de fitness que no se separa de un ipod y no deja de mascar chicle y el habitual secundario, Richard Jenkins ama en silencio a Frances Mcdormand, la cual no acepta su propio físico y está obsesionada con realizarse la cirugía estética, motivo que veladamente es el gran motor de todo lo que ocurre en la película.
Es cierto que existe un cd con supuestos datos de la CIA, pero este no es sino el mcguffin que se sacan de la manga los Coen para justificar su argumento. Un cd que ni siquiera importa a los rusos, que en otros tiempos matarían por algo así.

Ante la estupefacción del espectador ante semejantes personas, se desarrolla “Quemar después de leer”, la cual silenciosamente se va revelando como una divertida y singular película que solo los Coen podían rodar, permitiéndose ofrecer una forma tan opuesta a su fondo (que a muchos espectadores puede descolocar) giros de guión totalmente inesperados y una libertad absoluta con sus personajes.

Una libertad de la que también parecen gozar sus actores, de entre los cuales destaca sobremanera, Brad Pitt, que consigue su mejor interpretación en mucho tiempo y que confirma que cuando le ofrecen componer un personaje con altas dosis de improvisación e inventiva, Pitt sabe sacar el máximo partido (vease “12 Monos”). Su secuencia con John Malkovich y sus gestos de verdadero subnormal a la espera de irrumpir en hogar ajeno son de lo mejor de la película.

Y la CIA, en medio de todo esto, ¿que tiene que decir ante semejante embrollo? Ni siquiera ellos, especialistas en inteligencia, pueden explicar todas las situaciones que se dan en “Quemar después de leer”. Intentar comprender algo así es una cuestión harto complicada.

La pregunta, ¿Qué hemos aprendido de todo esto? formulada por J.K. Simmons justo al final de la película dejará al espectador con la risa incesante hasta minutos después de encenderse las luces de la sala de proyección. De la respuesta a está pregunta no hay duda; hemos aprendido que la inteligencia de los Coen es inversamente proporcional a la de los personajes de “Quemar después de leer”.

EL TERROR ORIENTAL Y EL ABUSO DEL REMAKE USA

“Ringu” inició todo. Por entonces el VHS todavía se usaba e incluso estas hoy olvidadas cintas gozaban de protagonismo en pantalla. Los fantasmas atormentados con pelo lacio tapando sus ojos empezaban a ponerse de moda y eran los mismos japoneses los que explotaban su propia formula, basada en leyendas antiguas y creencias orientales espirituales.

Hideo Nakata era el responsable en 1998 de “Ringu”, todo un fenómeno de masas en el país nipón, y no hacía falta esperar ni un año para que se estrenase su secuela, “Rasen”, dirigida esta vez por un avispado, Joji Iida. Nakata no podía dejar escapar el filón, y en 1999, rodó otra secuela, “Ringu 2” y puestos a rizar el rizo, ya con el nuevo siglo llegaba “Ringu 0”, la precuela.

Algo grande estaba pasando en oriente cuando el público llenaba una y otra vez las salas para adentrarse en atmósferas sucias y asustarse con espíritus de ojos rasgados. Le llamaban “J-Horror”. Y, como no, a Hollywood le sonó la alarma.

Gore Verbinski, (el que lo mismo te rueda “The Mexican”, que “Un ratoncito duro de roer”, que una saga multimillonaria como “Piratas del Caribe”), realizaba el primero de todos los remakes, “The Ring”, con Naomi Watts de protagonista y titulada aquí “La Señal”, y como la película le quedaba resultona, se declaró abierta la veda.

El nombre de Samara se convertía en nombre maldito, los adolescentes se pirraban por los sustos con los que reírse nerviosamente y comentar a la salida del cine, y los productores se frotaban las manos al ver la facilidad con la que la película superaba la barrera de los 100 millones de dólares y era estupendamente recibida en el resto del mundo. Mientras, el cinéfilo se hartaba de afirmar que “la original es mejor”, en su enésimo intento por defender el siempre olvidado cine asiático.

Y Japón a lo suyo. En 2002, el mundo contemplaba “The Ring” versión USA y Nakata volvía a dar en el clavo. “Dark Water” ("Honogurai Mizuno Sokokara") repetía esquemas y demostraba una economía de medios admirable. Ruidos sospechosos, edificios lúgubres, humedad y más espíritus con cosas que decir. Una cinta austera, que con muy poquito lograba secuencias de incontenible horror. Su remake mantuvo esa atmósfera apagada y descuidada, gracias al buen hacer de Walter Salles (“Diarios de Motocicleta”), al que sorprendía ver al frente de una adaptación para la gran industria como esta. Eso si, el rostro de Jennifer Connelly eclipsaba cualquier atisbo de fealdad, pero lo que no lograba era otorgar personalidad propia al proyecto.

“The Eye” (Jian Hui) de los hermanos Danny y Oxide Pang, también de 2002 (y con posterior secuela), tenía un corte más clásico y un argumento con nuevas dosis de originalidad. Un trasplante de cornea en una chica ciega, que cuando recobra la vista, tiene la mala pata de ver fantasmas. Otro exitazo asiático que, sin embargo, tuvo un remake más tardío, en 2008, justo cuando la formula empieza a considerarse gastada y tiende a dirigirse a un público exclusivamente juvenil. Jessica Alba era aquí la invidente, pero el tema había perdido gracia.

Y es que desde 1998 no hubo temporada sin peli de terror japonesa o remake correspondiente que se preciase. En casos como “La Maldición” ("Ju-on: The Grudge") de Takeshi Shimizu, con niños gatunos de extraños ruidos vocales, el estreno internacional fue tan potente como el de una película media americana, con mayor número de copias en sala de lo habitual para una película oriental. Se puede afirmar que la repercusión de los patrones exportados por el horror japonés favorecieron a las filmografías orientales, más allá de festivales de género o de círculos de cine minoritario y la abrieron a un público más extenso, lo que era una buena noticia. Pero como todo fenómeno, la explotación de la formula debido en gran parte a la intromisión americana, acabó jugando en su contra.

El misterio ya no es tal. El boom de este terror psicológico cinematográfico ha pasado y la abundancia de cintas con mismas premisas han ido mermando y desvirtuando el subgénero. Tanto “Shutter”, como “Pulse”, como “Llamada Perdida” como “La Señal 2” (dirigida en los EEUU, por el propio Hideo Nakata), o “El grito” se dirigen a una misma franja de edad, predominantemente juvenil y son productos construidos bajo un mismo molde para consumo rápido. Así lo demuestran sus repartos, donde nuevas reinas del grito o iconos juveniles del tipo Sarah Michelle Gellar o Kirsten Bell, ejercen como protagonistas-reclamo o sus argumentos, que introducen nuevas tecnologías (moviles, cámaras digitales, webcams, etc) como elementos decisivos en el desarrollo de las tramas.

Ahora Alexandre Aja ha sufrido en sus propias carnes el desgaste del terror japonés y sus correspondientes remakes. El director francés pone empeño en "Reflejos" pero lo ha hecho en un subgénero que acusa, justo en este preciso momento, fuertes síntomas de fatiga.

Con “Reflejos" (Mirrors), el remake de Aja de la coreana “Into the mirror”, no acabará la megaexplotación de este “J-Horror” y sus rutinarias copias, a pesar de que estas han comenzando a sufrir el rechazo popular. El próximo estreno de “The Uninvited” nueva versión de “Dos Hermanas” (“A tale of two sisters”) de Kim Jee-woon, seguirá completando la amplia nómina de películas que ya nos sabemos de memoria. No creemos que pueda ser la última.

REFLEJO DE OTRAS TANTAS...

Como buen alumno aventajado, el francés Alexandre Aja no tardó en dar el salto a Hollywood, después de realizar una excelente muestra de cine de terror con “Alta Tensión”, donde manejaba con pericia los elementos del género y sacaba el máximo provecho a un simple argumento.

Salvando su efectista final, “Alta Tensión” fue considerada unánimemente como una de las más renovadoras cintas de terror de los últimos años, logrando 4 premios en el Festival de Sitges y presentando a un talentoso director que rodaría posteriormente con gran éxito y acierto el remake de “Las colinas tienen ojos”, ya en la meca del cine.

Aja afronta ahora su segundo remake americano (teniendo ya en vistas un tercero, “Piraña 3-D”) con “Reflejos” ("Mirrors"), nueva versión de “Into the mirror”, película coreana del 2003, y lo cierto es que vuelve a mostrarse como un tipo inteligente, capaz de lograr atmósferas de gran inquietud, de insertar sutilmente sus adoradas secuencias gore en una producción de un gran estudio norteamericano o de mantener una cierta tensión durante todo el metraje, algo no demasiado sencillo a juzgar por lo repetitivo de la propuesta, que el espectador se sabrá perfectamente de memoria a poco que haya visto otras películas como “Dark Water”, “The Ring”, “Poltergeist” o “El Último Escalón”. Sin embargo, a Aja se le puede y se le debe pedir algo más.

Kiefer Sutherland, el Jack Bauer de la serie “24”, se mete aquí en el papel de un ex policía atormentado con problemas con el alcohol y las pastillas y al que, por supuesto, nadie cree cuando afirma vivir sucesos paranormales en el deshabitado (y lleno de espejos) centro comercial que vigila cada noche, por lo que tendrá que enfrentarse él solo a los fantasmas que le amenazan. No faltan la familia sufridora involucrada de rebote en el caso y un traumático suceso pasado que reavivar. Nada que no hayamos visto ya.

Su impactante comienzo, las secuencias entre espejos, las visitas de Sutherland a ese incendiado y tenebroso centro comercial o la escena de la bañera protagonizada por Amy Smart son los momentos más logrados por Aja, que chocan con otros tan rutinarios como el sufrimiento final de una madre de camiseta blanca mojada o el propio desenlace.

“Reflejos” no supone, por tanto, un escalón más en la carrera de este director, sino una solvente pausa en la que el francés sigue mostrando sus credenciales. Aja ya ha demostrado que sabe provocar horror aún poniéndose al frente de historias manidas. Ahora le toca ir más allá y confirmarse definitivamente como el líder de una generación de nuevos directores europeos de terror (Bustillo, Gens, Laugier, etc) que tienen talento, muestran descaro y conocen muy bien donde está la esencia natural del género.

7 INTERESANTES PROPUESTAS DE SITGES

El Festival de Sitges siempre nos depara unas cuantas producciones de género que no se nos deben escapar en su estreno en nuestro país. Eso contando con que consigan llegar a las pantallas, algo que no parece demasiado fácil, a juzgar por el todavía esperado estreno de "The Fall", la gran triunfadora de la pasada edición. De entre todas las películas que se exhibirán en el Festival, "El Séptimo Cielo" se queda con este "Top 7" y las apunta con boli rojo bien marcado en su cuaderno de películas a no perderse.

EDEN LAKE: Dicen de ella que es la cinta britanica más polémica del año y al parecer, está dando mucho que hablar en las islas. Su argumento puede recordar a la película francesa “Ellos” o sin ir más lejos a “Los Extraños”, actualmente en cartelera. Y es que eso de que la amenaza más temible sea adolescente o juvenil, está de moda. Dirige con tan solo 30 añitos, James Watkins, con rostros pocos conocidos en su reparto, solo a Kelly Reilly la hemos visto en "Un casa de locos" y la veremos en lo nuevo de Guy Ritchie, "Sherlock Holmes".

REPO! THE GENETIC OPERA: La propuesta más singular y llamativa del festival, la dirige el director de las secuelas de Saw, Darren Lynn Bousman, que une aquí la opera, el musical, el rock, el horror y el fantastico, en una mezcla explosiva. Una especie de Moulin Rouge y The Rocky Horror Picture Show. Si la película es peculiar su reparto no lo es menos; por ahí andan, Paul Sorvino, actor acostumbrado a papeles de mafioso y padre de Mira Sorvino, la cantante Sarah Brightman o Paris Hilton.

VINYAN: Una de las primeras películas sobre el Tsunami que asoló Tailandia en 2004. Y el acercamiento hasta este suceso es en forma de terror sobrenatural y viene de la mano del belga Fabrice du Welz, que ya dirigió una película impactante llamada “Calvaire”, una pesadilla totalmente enfermiza
En esta ocasión Du Welz recluta a Emmanuel Beart y a Rufus Sewell y los enfrenta a una historia de recuperación de la perdida de un hijo y , porque no, también de fantasmas. Du Welz tiene talento, crea buenas atmosferas de terror y además no se corta ni un pelo. Un tipo a tener en cuenta, y una peli que promete.

MARTYRS: Francia está a la vanguardia del horror actual. De allí ha surgido nueva generación que no le hace ascos al gore y a las imágenes más extremas, y que encabeza Alexandre Aja, al que acompañanan Alexandre Bustillo y Julien Maury (“À l'interieur”), Xavier Gens (“Frontier(s)”) o Pascal Laugier, responsable de “El Internado” con Virgine Ledoyen y ahora de “Martyrs”, publicitada como la película más provocadora de todo el festival, que a su paso por Cannes ya dió que hablar. La historia de una chica con un torturado pasado que no escatima a la hora de ser explicita.

LET THE RIGHT ONE IN: Una narración de niños vampiro de nacionalidad sueca que está causando sensación en aquellos festivales por los que ha pasado, llevandose el máximo premio en el de Tribeca. En Hollywood ya han comprado los derechos para hacer el remake, que va a dirigir Matt Reeves, el director de Cloverfield (Monstruoso).

THE BROKEN: Sean Ellis dirigió un corto llamado "Cashback" y logró colarse como nominado al Oscar por este proyecto que más tarde se alargaría convirtiendose en su primera película, con un marcado carácter indie. Ahora, Ellis dirige su segunda película; "The Broken" donde la actriz Lena Headey (‘vista en El Secreto de los Hermanos Grimm’) se mete en el papel de una mujer que afirma ver a su doble. Una cinta de constantes claramente hitchcockianas.

THE COTTAGE: Humor negro y casquería fina es lo que promete esta especie de “Fargo” a la inglesa, donde un secuestro, la ineptitud de sus personajes y una serie de imprevistos llenos de mala leche son las claves de su “cachonda” historia. Dirige Paul Andrew Williams, del que ya se habla para realizar la tercera parte de “28 días después”, y protagoniza, entre otros, Andy Serkins, más conocido como “el que hizo de Gollum”.

HORROR E INOCENCIA

No ha tardado en llegar a las pantallas la adaptación cinematográfica de uno de los mayores éxitos editoriales de los últimos años; “El niño con el pijama de rayas” del irlandés John Boyne.

Realizada por otro británico, Mark Herman, autor de la estimable “Little Voice” o de una de las primeras cintas en las que el nombre de Ewan McGregor ya aparecía destacado, “Tocando el viento”, “El niño con el pijama de rayas” es un conmovedor relato que evalúa ese fatal periodo de la historia de la Humanidad que es el Holocausto nazi, a través de la inocente mirada de un niño de 8 años. Una visión subjetiva e infantil que supone un fuerte contraste entre el horror de esa realidad y la pureza de la óptica con que se mira, siendo precisamente esta, la característica diferenciadora de “El niño con el pijama de rayas” con respecto a otros acercamientos del cine y la literatura al genocidio y mandato nazi.

Ciñéndose con lealtad a la novela, “El niño con el pijama de rayas” cinematográfico goza de la sobriedad y el oficio habituales del cine británico, haciendo gala de una perfecta ambientación y unas notables interpretaciones y, como no, también de esa extrema corrección y academicismo que le impide aspirar a ser algo más.

Serán aquellas situaciones en que el joven Bruno (hijo de un comandante de un campo de concentración) se tope de bruces con los bárbaros actos que cometieron los nazis, las que aceleren la madurez y contaminen la candidez de un niño de 8 años, y las que sirvan para remover al espectador en su butaca. El encuentro con “el granjero Pavel”, o algunas de las conversaciones entre los dos niños protagonistas, amén del personaje de la madre de Bruno, se afianzan como lo mejor de una película que si bien plantea un enfoque novedoso sobre el tema y sabe mantenerlo con buen pulso, no llega a establecerse como la poderosa y concluyente cinta sobre el Holocausto que podría haber sido.

Su final, absolutamente estremecedor, es además el momento cinematográfico más logrado por Herman, que une a la potencia de lo narrado, un buen montaje paralelo y el máximo apogeo de la banda sonora compuesta por James Horner que como siempre ofrece unos temas que prometen la mejor versión de Horner, para luego volver (por enésima vez) a repetir melodias propias.


Un climax que dejará pegado a la butaca al espectador y que le hará pensar durante unos minutos tras haber abandonado la sala de proyección. Y eso en el cine actual, ya es mucho

¡VUELVE LA RADIO!

Si echaís un vistazo a la derecha de vuestras pantallas podreís contemplar un reproductor, que ya habitó en ese mismo lugar durante varios meses pasados hasta la llegada del mes de Julio y el consiguiente verano.

La función de esa aplicación sonora no era otra que la de reproducir para todos vosotros el programa radiofónico de "El Séptimo Cielo" que se emitía todos los Martes de 10 a 11 de la noche en el 101.9 de la F.M (local de Albacete) o en http://www.novaonda.net/ (para cualquier otro rincón del planeta).
Con el calor, el reproductor desapareció y con él, claro está, el programa de radio, que se fue de vacaciones hasta Septiembre, como si de un alumno escolar se tratase.

Ahora "El Séptimo Cielo" sonoro vuelve para afrontar su séptima temporada en las ondas, con la sana intención de hacer pasar una buena hora de cine y radio al oyente. Un repaso a la actualidad del cine donde tienen cabida bandas sonoras, críticas, noticias y otras secciones que marque el momento.

Novedades, pocas. Solo destacar que intentaremos dedicar el programa integramente a la música de cine en la última semana de cada mes y que breves comentarios de las películas de estreno realizados por blogs amigos de este blog son leidos en antena para aportar una mayor diversidad de opiniones.

Estaremos en el aire semanalmente hasta el próximo mes de Julio. Mientras tanto, que disfruteis del programa que para eso está.